O que é edição

The Martian Chronicles

The different is the other, and the recognition of that difference is the awareness of the alterity: the discovery of the feeling that is supplied by symbols of culture in order to say that not everything is what I am used to and not everyone is like me.
Man and woman, white and black, master and servant, civilized and Indian ... The other is a different and, therefore, attracts and frightens. You need to tame it, and then we must tame the domineering spirit’s ghost: translate it, explain it, or reduce it. So the other must be deciphered somehow, but we have to use OUR standards. Let the philosophers and scientists try to define their life and culture, so they can be taken care of.
In “The Martian Chronicles”, the common thread is the relation between the different, in that particular case, the Martians and the men from Earth. But these two groups allude to the reaction the Europeans might have had when they met the American Indians.
Man and woman, white and black, master and servant, civilized and Indian (who were, from the European perspective, just wildlings), martian or from Earth ... The other is a different and, therefore, attracts and frightens.The human being needs to feel safe and that is why he tries to order and catalog a world that seems obtuse to him. In order to do that, the "civilized" judges the other group based on his "civilized" values. In “The Earth Men”, for example, one group judges the other one crazy by their standards.
In order to understand somebody else’s culture, you have to use the ones you had already previously known. And that is what both the Martians and the terrestrials do when they meet.
There is an implied critic when is mentioned the reactions of the humans towards the Martians (especially in “And the Moon Be Still as Bright”). When it is said that it is a shame that such an advanced civilization as the one that used to inhabit Mars would perish from chickenpox, it infers that if it was a rudimentary group, there would be no problem. That echoes the destruction of the Incas, Mayas, and Aztecs civilizations. But the past mirrors the present and reflects the problems to see the other (from a different country, or religion…) not as martian.

12 Hombres Sin Piedad

Esa quizá ha sido una de las películas más baratas a ser producida ya que la acción ocurre casi todo el tiempo en un único escenario. Sin embargo, cada ínfimo espacio del pequeño salón es aprovechado de una manera que recuerda el teatro. El tamaño del sitio, así como el ventilador roto, corrobora con la sensación de tensión de los personajes, y el público acaba por sentirse tan claustrofóbico como probablemente se sentían los jurados.

En verdad, existen dos versiones de esa película, con pocas, aunque importantes, alteraciones. En ambas, un joven latino es acusado de matar su propio padre y cabe a los doce jurados definir cual es la sentencia. En un primer instante, eses hombres parecen formar un jurado bastante heterogéneo. Cada un tiene un empleo diferente, diversas edades y nadie se veste la misma manera que el otro. A pesar de eso, a los pocos podemos notar que todos poseen algo en común que influya directamente en su decisión final… todos ellos son hombres y nadie es de la misma etnia que el acusado.         

En la versión de los años 50, la acción se pasaba en una época en que el racismo era más do que reinante, era legalizado. En aquel período, había en los colegios la separación entre blancos y negros, y basta que nos recuérdennos el caso de Rose Parks (que había sido detenida por no ceder su sitio en el autobús a un hombre blanco) para entendiéremos como la color de piel influenciaba la manera como eran vistas las personas.

En esa primera película, todos los jurados son blancos e en los momentos finales, el racismo muestra su cara demostrando que aquellos jurados dejaban que sus valores influenciaran en su decisión de acusar o declarar inocente un joven.

Ya en los años 90, en una época que quizá pueda ser caracterizada por la “ola” del políticamente correcto, tres de los jurados eran negros, pero, ninguno era latino como el acusado. Otro tópico era entonces abordado, la cuestión de la xenofobia. Algunos de los jurados más conservadores (quizá más reaccionarios) llegan a tornar claro que el joven era violento justamente por ser latino. La escena más espantosa es cuando un personaje negro reclama que sus “hermanos” sufrieron luchando por derechos que un ‘inmigrante’ tendría de gracia.

En el principio de las dos versiones,  casi todos votan automáticamente ‘culpado’ sin al menos avaliar propiamente las pruebas. Su rápida sentencia no se basa apenas en el preconcepto, pero también en diversos factores. Nadie parecía tener participado de un jurado e todos poseían alguna ocupación que los aguardaba en el lado de fuera.

Demostraban poca preocupación con el facto de la vida de un joven estar en sus manos. Sin embargo, un hombre (Henry Fonda en la primera versión e Jack Lemmon en la segunda) decide los desafiar al votar inocente, afirmando que era necesario avaliar más detalladamente las evidencias que no tenían se quedado claras para él.

A pesar de esa película poseer pocos elementos en común con lo típico melodrama, ella se encaja perfectamente en ese género porque nos causa compasión y temor, sus dos propiedades esenciales (ALTMAN, Rick – “Los Gêneros Cinematográficos” - página 28). Los actores de esa película poseen la habilidad de conmover sin que sea necesario la utilización del exagero.

Si leváramos en consideración solamente producciones más representativas de esa clasificación, percibiríamos diferencias visibles. Por ejemplo, no hay ninguna mujer en escena ni cualquier mención a un romance. Tampoco hay interpretaciones demasiado teatrales como a que se tornó regla entre las grandes divas de los años 30 y 40. Aunque el melodrama sea asociado a las producciones volteadas al público femenino, el crítico Ben Singer (“Female Power in the Serial-Queen Melodrama: The Etiology o fan Anomaly”) apunta que en verdad ese género estaba más relacionado a acción, aventuras y hombres de clase trabajadora en los primeros años del cine. Es decir que esa película representa perfectamente el melodrama.

La conducta moralista también está presente y se torna evidente cuando el personaje de Fonda declara, en un tono de sermón, que algunos de los jurados poseían todavía la misma visión tacaña de sus antepasados.

A pesar de que tenga dos personajes centrales que se tornan polos opuestos caracterizando muy bien el bueno y el malo, los otros no son presentados de manera maniqueísta (como es de costumbre en ese género), pero como seres complejos cuyas opiniones y actitudes pueden variar de acuerdo con lo que consideran como correcto llegando, al final, a la misma conclusión: de que el joven acusado es en verdad inocente.

A Nouvelle Vague e o anticoncepcional

Cinco décadas depois, a mudança parece não ter sido tão grande. Aquela grande revolução nos parece algo pequeno por já termos nos acostumados com suas conseqüências. O que antes chocava e soava como loucura, agora é considerado trivial. Discretamente, os jovens loucos popularizariam aquilo que lhes livraria dos grilhões propostos por seus pais e de uma sociedade conservadora... o anticoncepcional.

A pílula mágica se tornaria ícone da independência feminina. Sua sexualidade não estaria mais associada às decisões de seus pais ou de seu marido. Começou, assim, silenciosamente, uma revolução que – tal como outras – confundiria quem a testemunhou. A livre expressão da sexualidade humana traria desdobramentos políticos, igualitários e libertários.

Essa alteração cultural tão brusca não passaria despercebida por outro evento que mudou radicalmente a maneira de se pensar – dessa vez no campo audiovisual -, a Nouvelle Vague.

Diretores como François Truffaut, Jean-Luc Godard, Eric Rohmer e outros captavam com suas lentes a realidade que lhes circundava, ainda que o fizessem através de ficções. Seus personagens eram mais verossímeis e o turbilhão provocado pelas mudanças comportamentais da época seria abordado mesmo que discretamente.

1- Gravidez antes do casamento, jamais

Raramente a pílula miraculosa seria mencionada, mas em quase todos os filmes é abordada a questão da mulher moderna. Até então, era mal vista aquela tivesse relações com mais de um homem, ou pior ainda, tivesse um filho fora do casamento. Em “Os guarda-chuvas do amor”[1] de Jacques Demy, por exemplo, a personagem Geneviève Emery (interpretada por Catherine Deneuve) contraria a mãe ao engravidar de seu grande amor, o soldado Guy Focher (Nino Castelnuovo). Esta, por sua vez, tenta dissuadi-la da idéia de esperá-lo e a convence a se casar com o rico Roland Cassard (Marc Michel) para evitar que sua filha fique ‘mal falada’.

Esse tema também apareceria, ainda que não com destaque, em “Os incompreendidos”[2] de Truffaut. Nele, a mãe do protagonista Antoine Doinel admite para policiais que, na realidade, seu marido a aceitou grávida, mas que não é o verdadeiro pai do menino. A princípio, isso parece um detalhe dentro da trama, no entanto, o fato de não ter laço sangüíneo, ainda mais na década de 50, pode explicar o relativo pouco caso com o pequeno Antoine.  

Em “Acossado”[3], Patricia Franchini (Jean Seberg) passa pela mesma situação. Ela descobre que está grávida, mas não vê um futuro com seu namorado, Michel (Jean-Paul Belmondo). Ao longo de todo o filme, Michel tenta convencer-la a ter a vida que ele decidir, porém ela tem outros planos como seguir carreira como jornalista e proteger seu bebê. Tamanha independência era um enigma para o protagonista – tal como devia ser para o diretor da produção – que não aceitava muito bem a idéia de que ela escolhesse quando e com quem teria relacionamentos sexuais. Michel, tal como muitos de seus contemporâneos não estava preparado para essa ‘nova’ mulher que esta disponível para sexo sem compromisso, mas que define suas próprias regras.     

2- Nem santa, nem fatale...

Antes dos primeiro filmes da Nouvelle Vague era raro despir as personagens femininas de sua aura angelical. Poucos eram os diretores que ousavam enfrentar a censura e/ou a sociedade em prol de apresentar mulheres mais fortes e independentes. Em geral, essas eram retratadas como femmes fatales – aquelas que atraem homens incautos para o perigo.

Quando se apenas apresentava duas opções para as mulheres – a virginal ou a vilã – criava-se a impressão de que não era possível existir nada além dessas possibilidades. “Mulheres à frente de seu tempo” recebiam um nome bem diferente (não será mencionado, pois se trata de um palavrão). Elas deveriam obedecer às decisões masculinas seja paterna ou do marido sem questioná-los.

Em “Minha noite com ela”[4], temos duas personagens que em um primeiro momento poderiam ser justamente identificadas com os clichês anteriormente mencionados. Maud (Françoise Fabian) atrai sua ‘presa’ para sua casa e tenta seduzi-lo para que durma com ela tal como uma versão feminina do lobo mau. Primeiro, diz para ele ficar na casa dela enquanto neva, depois revela que só há uma cama disponível – a dela – e ainda lhe diz que dormirá nua. O pobre Jean-Louis consegue defender sua pureza, mas quando finalmente resolve ceder, esta lhe diz que não tem paciência com indecisos.

No dia seguinte, encontra a mulher de seus sonhos: linda, loira, jovem e religiosa. Casa-se com ela, tem um filho e encontra Maud anos depois que tem um final não tão alegre. A princípio, nos parece que a vilã foi punida e os mocinhos viveram felizes para sempre. Entretanto, Maud nunca feriu ou forçou ninguém a nada e teve uma vida relativamente correta – pelos menos dentro de seus princípios. Já a angelical esposa de Jean-Louis –Françoise – já cometeu seus pecados no passado, tendo sido amante do ex-marido de Maud.

Já no filme “O ano passado em Marienbad”[5], a complexidade da personagem feminina só é superada pela própria narrativa da produção. “A” (em nenhum momento é pronunciado seu nome) é perseguida por “X” um obcecado homem que afirma tê-la visto no ano anterior e que esta teria lhe dado esperança de que um dia se encontrariam. Não se sabe se trata-se de uma invenção dele, se ela de fato traiu “M” (nem mesmo se “M” é seu marido ou não), se pretendia fugir ou se tudo é fruto da imaginação do protagonista. Estaria ela na verdade tão confusa sobre a realidade quanto o homem? De todo modo, não se deve incluir-la no hall de femmes fatales por haver dúvidas de sua intenção de corromper aqueles que a cercam, tampouco se pode dizer que ela é uma mera vítima de um louco. O que se infere a partir da trama é que há uma luta entre o desejo e o temor das conseqüências de seus atos e isso fica evidente em “A” que a todo momento se recusa a concorda com “X”, mas age de maneira oposta.

3- Um é pouco, dois é bom, três não é nada anormal. 

Apesar de se passar no início do século XX - do período anterior à I Guerra Mundial à década de 20 – podemos perfeitamente encaixar a narrativa de “Jules & Jim”[6] nos loucos anos 60. Jules, Jim e Catherine são três jovens um tanto ingênuos que convivem em perfeita harmonia até que começa a guerra. O frágil Jules acaba por a atrair a princípio, porém, quando já casada, se apaixona pelo charmoso Jim.

Nota-se então uma espécie de fim da utopia e do romantismo com o tempo em que Jules e Jim ficam separados em fronts opostos. O equilíbrio se rompe com a chegada das responsabilidades tais como a maternidade (o casal tem uma filha chamada Sabine) e a rotina de um matrimônio.

  Catherine representaria o espírito livre; libertária e contestadora que não deseja ser domada e que não consegue sobreviver a uma vida trivial. Uma feminista demasiado passional que ignora o que é pregado pela sociedade se relacionando com quem tiver vontade o que se choca com a atitude submissa de Jules que apesar de se encantar com a impetuosidade de sua esposa, não consegue fazê-la feliz em uma vida em família.

4- É proibido proibir!

A idéia de que é necessário casar e ter filhos para contentar uma mulher é contestada nessa produção tal como vinha sendo debatida fora das telas. A entrada feminina no mercado de trabalho crescia cada vez mais assim como diminuía o número de filhos por família. O anticoncepcional seria apenas um meio de acelerar e facilitar esse processo que já vinha em curso.  

Se buscarmos um traço comum nos filmes da Nouvelle Vague, perceberemos que apesar das diferenças individuais, todos os diretores buscam representar a juventude e retratar a vida desses sem moralismo. Não se tenta dar um final feliz, inclusive, por vezes, o ‘fin’ aparece, mas as dúvidas continuam pairando no ar, pois assim é a vida! Muito se discute nesses filmes, em alguns há até a presença de filósofos (como em “Viver a vida”[7]), mas a intenção não é trazer uma solução definitiva.

Essa confusa ruptura com os padrões propostos pela ‘velha guarda’ não acontecia só no campo audiovisual, representava o que a juventude francesa e de outras nacionalidades buscavam. Não sabiam identificar o que era melhor para eles, mas sabia o que não queriam.

  Em “Viver a vida”, nota-se a incorporação dessa maneira de pensar. Nana abandonara marido e filho, se prostituia e não aparenta se arrepender de suas escolhas. Ao longo do filme a vemos seguir um caminho descendente, entretanto, ela aparenta estar convicta de suas decisões; o que pode vir a ser chocante para o espectador. Em um momento chave, ela assiste “O Martírio de Joana d'Arc” de Carl Dreyer e se debulha em lágrimas, é um primeiro lampejo de emoção por parte dela. Talvez por se identificar com a personagem principal, talvez por se dar conta de que seus atos seriam julgados por homens que jamais a entenderiam...

5- Ainda somos os mesmos e vivemos como os nossos pais...

As produções desse período buscavam romper com o que veio antes, um quase parricídio, mas não tinham controle do que geraria adiante, talvez nem tivessem total consciência do que faziam naqueles anos. Para seus contemporâneos, eram jovens insolentes que não iriam muito longe. Hoje, as ‘novidades’ técnicas propostas por aqueles pioneiros são aplicadas em programas de TV no horário nobre, vídeo-clipes da MTV se inspiram nessa época e qualquer cineasta de Hollywood cita Godard (ainda que quase nenhum de fato tenha visto algum de seus filmes).

O que ocorreu após a revolução sexual dos anos 60 pode ser considerado ainda mais trágico. Sexo se tornou banal e uma estranha contra-revolução surgiu: o aumento do movimento em favor da castidade[8].

Ainda sim, os dois movimentos inspiraram muita gente e abriram muitas portas. E que venha a próxima geração para quebrar mais barreiras!

Bibliografia:

“História do cinema mundial” – MASCARELLO, Fernando (org.)

“A magia do cinema” – EBERT, Roger   

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[1] “Les parapluies de Cherbourg” (1964)

[2] “Les quatre cents coups” (1959)

[3] “À bout de souffle”, Godard (1960)

[4] “Ma nuit chez Maud”, Rohmer (1969)

[5] “L'année dernière à Marienbad” (1961) - dirigido por Alain Resnais

[6] “Jules et Jim” (1962) – dirigido por François Truffaut

[7] “Vivre sa vie: Film en douze tableaux” (1962) – dirigido por Godard

[8] Sobre as celebridades que ficam famosas divulgando sua virgindade, anéis de castidade e os –bizarros- bailes de pureza, veja o especial “A Nova Castidade” produzida pelo VH1.

Raposa

Tentando desenhar uma raposa...

The Zeitgeist of the modern Olympic Games

After having watched the video 1.9 entitled “The Zeitgeist of the modern Olympic Games”, list and comment very briefly which were the important events, advances, changes and technological innovations which helped to the success of the modern Olympics.

Since the second half of XIX century, there was an improvement in transportations and telecommunication systems, which allowed a better integration between distant populations and also made easier to disseminate information. That was vital to the success of the Olympic Games because it made possible to many countries of all around the globe, to participate. Also, it was easier to publicize the event.

The International Expositions organized in the last decades of that century were a product of that time. The interest for the trade of knowledge allowed the creation of many developments in technology and other many fields. The telegraph and, later, the telephone connected the world and offered the possibility of a better circulation of information. Many events were doomed due to a lack of proper advertising… It was not the case of the Modern Olympic Games.

The cinema was also a very important invention to show the Games and attract public and solidifying the event in the common imaginary. The audiovisual language was slowly constructed and it enabled the future creation – and diffusion – of the television. That invention brought to a major population the images of the athletes at the moment of their glory. At first, it was only available videos after the event had already happened, but now, it is possible to see live.

Rio

Pulp Fiction

“Pulp : 1- A soft, moist, shapeless mass of matter

2-A magazine or book containing lurid subject matter and being characteristically printed on rough, unfinished paper.”
(revista ou livro sensacionalista, que é geralmente publicado e impresso em material de segunda classe)

American Heritage Dictionary
New College Edition

Populares durante as décadas de 1920 e 1950, as pulp fictions eram o melhor exemplo do que é kitsch. Publicações voltadas para as massas, as quais antes mesmo de abertas já se podia inferir que tipo de reação obter, e, apesar de tentar ser literatura de qualidade (alguns autores de renome escreveram alguns desses livros), tudo que se consegue é emoção barata (literalmente barata, em sua maioria custavam alguns cents). Seu conteúdo continha, em sua grande maioria, histórias de ficção beirando o absurdo (e o ridículo). Algumas como “Attack of the 50ft. woman”, são dificilmente levadas a sério devido tanto ao nome quanto à história em si ( para a desgraça do autor, que provavelmente não pretendia causar graça, e sim medo).

O filme Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, revisita o exagero dessas publicações homônimas. Ao longo do filme, ocorrem várias citações ao estilo. Na cena em que Vincent (John Travolta) e Mia (Uma Thurman) têm seu ‘encontro’ em um restaurante estilo anos 50, fica evidente a alusão. Pôsteres de alguns desses livros e de filmes com estilo semelhante, além de garçons trajados como personagens dessas revistas (Zorro, por exemplo). No pôster de divulgação do filme também há uma clara alusão ao estilo das capas das pulp fictions, desde a diagramação até o efeito ‘desgastado’ (além do detalhe dos 10 cents).

O filme recicla vários elementos kitsch. Quando Vincent e Jules (Samuel L. Jackson) atiram em um jovem que havia roubado a mala de seu patrão (Marsellus Wallace), luzes espocam durante o tiroteio. Esse efeito é proposital, Tarantino queria realmente passar a imagem de exagero com o intuito de fazer com que as cenas violentas parecessem menos violentas. Desde a misteriosa luz dentro da mala, à própria trilha sonora que contém músicas que, fora do filme, seriam consideradas de intenso mau-gosto. A decoração da casa do traficante de drogas com sapatos plataformas coloridos nas estantes entre outros vários cenários extremamente extravagantes e caricatas, enfatizam o caráter kitsch desta produção.

Mas o trunfo do filme está na capacidade de transformas todos esses elementos em características cool. Tudo o que é ruim no filme se torna bom porque tanto o diretor como o espectador (se tomarmos como referência alguém com o mínimo de conhecimento crítico) tem uma visão camp a respeito desse desfile de mau-gosto. Além do que a edição torna crível todos os aparentes absurdos. Até a piada proferida por Mia torna-se engraçada dentro do contexto, apesar de que se fosse contada por qualquer outra pessoa em uma ocasião diferente da dela, certamente seria considerada sem-graça.

A cena de dança entre Mia e Vincent, tal como ocorre em “Rocky Horror Picture Show” com a dança Time Warp, se tornou antológica apesar de ser ridícula quando é imitada fora do filme. O efeito cool é causado pelo fato de não ser visto como ridículo, mas como vintage. Fora da época em que foi criada, acaba ganhando um novo significado. Nos anos 50, seria ‘normal’, nos anos 60 ‘brega’ e atualmente, tal dança é resgatada como arte.

O filme pode ser considerado como Kitsch devido a essa alteração na emoção pretendida superficialmente. Cenas como a que a arma acidentalmente dispara na cabeça de um dos ocupantes do carro dirigido por Jules, por exemplo, causaria intensa repulsa se o filme pretendesse ser um mero filme de ação, porém, os espectadores costumam rir de tal cena. Pode-se arriscar a dizer que o tom caricato do filme causa uma suspensão da descrença – se é permitido o trocadilho-. O que era para ser sério torna-se jocoso. Por se tratar de uma sátira aos filmes B e revistas consideradas trash, essa era intenção do diretor.

Tudo que era para ser, apenas, de mau-gosto, causa uma reação bem diferente, seja ela graça ou surpresa. Mas caso fossem apresentados através de outra montagem e com outros intuitos, ou até mesmo em outra época, talvez não fosse capaz de causar tais reações.
Pode se dizer, também, que Pulp Fiction é uma sátira ao Kitsch, depende apenas de quem é o espectador. A cena em que Jules cita um trecho da Bíblia* é um exemplo de como o olhar do espectador influi na definição do que seria Kitsch ou não. Essa passagem não existe realmente na Bíblia, é uma completa deturpação de versículo existente. O vocabulário, apesar de refinado, não faz sentido algum (apesar do personagem extrair vários significados a partir desse trecho). Na primeira vez que o suposto versículo bíblico é proferido, a princípio a impressão é de se tratar de algo mais sério, um momentâneo rompimento do tom satírico do filme, mas a decorrente ausência de sentido deixa claro que não o é. Mas fica a incógnita se Tarantino o fez propositalmente ou se ele realmente intencionava que fosse usado um trecho da Bíblia. No primeiro caso, esse trecho seria apenas um elemento Kitsch dentro do filme (exceto para aqueles que realmente acreditaram que se tratava de algo sério). No segundo caso, o filme inteiro passaria a ser Kitsch, pois se o diretor pretendia ser sério – o que é bastante improvável-, não foi o que conseguiu.

* “Ezequiel 25:17 :

O caminho do homem justo está bloqueado por todos os lados pelas iniqüidades dos egoístas e a tirania dos perversos. Bendito é aquele que, em nome da caridade e da boa vontade, é pastor dos humildes pelo vale das sombras. Pois ele é o verdadeiro guardião de seus irmãos e o salvador dos filhos perdidos. Exercerei sobre eles vingança terrível e furiosos castigos aos que tentarem destruir meus irmãos. E ficarão sabendo que eu sou o Senhor quando Eu executar sobre eles a minha vingança.”

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Esse texto é a parte que me coube de um trabalho de grupo (com Bruna, Júlia, Natália e Pedro) realizado para UFRJ.

El Tercer Hombre

“En Italia, en 3 años de dominación de los Borgia, no hubo más que terror, guerras y matanzas, pero surgieron Miguel Angel, Leonardo Da Vinci y el Renacimiento. En Suiza, en amor y armonía, tuvieron 500 años de democracia y paz. ¿Y cuál fue el resultado? El reloj de cuco.”

En cuanto el acido Harry Lime (Orson Welles) profiere esas palabras, un pié (en un cartel) parece pisarlo. Pero, ¿Por qué? Quizá el pié represente la opresión, quizá represente la actitud del propio personaje, quizá signifique un clásico “¿Por qué no te callas?” Pero, ciertamente el cartel no estaba la por azar: la propaganda (para medicamento contra tose) no tenía nada que ver con el pié.

Al longo de toda la película hay varios elementos como ese que nos hacen la ver varias veces para intentar entender lo que significan. Algunas veces la suerte sonríe para nosotros. Como en las escenas en que surge un gato. En la primera vez que aparece sabemos que hay un motivo para estar allí pero no descubrimos cual. Sin embargo, en la segunda vez que lo vemos viene la explicación: era el gato de la casa que solamente gustaba de Lime, es decir que, en su primera aparición, el personaje de Welles estaba cerca. Otro momento que nos es explicado póstumamente es lo niño que observa una conversa entre Holly y el vecino de Lime. Él parecía ser el hijo de lo vecino pero después descubrimos que en verdad era hijo de otro inquilino, y que ese acaba por funcionar como delator de aquel a partir do momento que escucha una conversa importante.

Al longo de toda la película brincamos de gato y rato con las varias minucias de la película, intentando desvendar no solamente la misteriosa muerte de Lime, pero también si los encuadramientos son intencionales o no. Y cual sería su significado. Como la película no viene acompañada de manual con las respuestas, as veces nos quedamos un poco frustrados con eso. Pero en verdad, es “reconfortante” (especialmente después de asistir “Brigadoon”) ver una producción así ya que pocas son las que intentan hacer con que el espectador haga un esfuerzo mental mínimo.

El clima de misterio en que ni todo es lo que parece empieza ya en los créditos iniciales. Nosotros no sabemos si la imagen que vemos son las cuerdas de una guitarra o la cortina típica de una oficina. Los encuadramientos que algunas veces nos parecen raros, el uso del blanco y negro, la acción en la noche (cuando las calles están vacías gracias al toque de recoller y todo está escuro) y la constante niebla contribuyen para crear un efecto de tensión.

Sin embargo, son los juegos de luz y sombra los elementos preferido del director. Una de las escenas más impactantes es cuando Lime finalmente aparece. Su sonrisa irónica es vista por un breve momento cuando una señora abre la ventana cuya luz ilumina la cara del personaje de Welles. En la secuencia final, cuando es perseguido, las sombras también adquieren una gran importancia pues él solamente es visto por los policiales a través de ellas.

Otro ítem que torna la historia todavía más interesante es el humor negro utilizado al longo de toda trama. Como en el principio, cuándo un hombre muerto flotando en el río es referido como un mero amateur que ha sido eliminado. El propio Lime es responsable por varios momentos cómicos (irónicos en verdad). Su sonrisa y sus líneas nos dejan un gusto amargo, además de desconcertados por reírnos de algo sobre lo que no deberíamos reír.

La acción se pasa en Viena en pleno pos-guerra, cuando era ocupada por diferentes naciones y onde nadie confiaba en nadie. Por causa de eso, era una tierra sin dueño onde la frontera entre correcto y malo era cubierta por niebla. El vacuo producido pela falta de un gobierno centralizado era, entonces ocupado por el crimen organizado que actuaba como una especie de poder paralelo. Ese era el ambiente perfecto para alguien como Lime surgir. Al contrario do que se pasa con Holly cuyo aparente idealismo parece chocarse con el clima de corrupción generalizada vigente en esa ciudad.

A pesar de ser incorruptible como suelen ser la grande mayoría de los héroes, el personaje de Holly posee algunas diferencias cuando comparado con el prototipo del bueno muchacho que combate el malo. En primer lugar el actor no es exactamente bello tampoco posee el típico charme de  personajes como el interpretado por Humprey Bogart en “Casablanca” o como, más recientemente, James Bond. Él tampoco es un perito en algo, en verdad, es solamente un escritor mediocre que en un momento de desespero acepta la propuesta de su amigo y se dirige a una ciudad prácticamente destruida en busca de un empleo que no sabe exactamente cual es.

La película es un de los clásicos obligatorios, especialmente por la secuencia de la persecución por las cloacas que termina con Lime cercado como un rato intentando escapar de su propio amigo y de los policiales. Una longa y brillante secuencia de acción tan espectacular como la propia película.

A Enfermeira

Trabalho Final para Computação Gráfica (UFRJ)

Darwin is the Law

O GRITO

O desespero já não podia mais ser contido. Uma sensação de sufocamento foi lhe tomando. Com muito esforço, pois já quase não tinha mais controle sobre seu próprio corpo, abriu uma das janelas e soltou um ruído gutural. Era como se ao gritar, expelisse tudo que houvera reprimido durante anos. Estranhamente, não ouvia o próprio clamor, então tentava juntar todo ar em seus pulmões para que berrasse ainda mais forte. Foi em vão!

Seus vizinhos pareciam ignorá-lo. Nenhum lampejo de qualquer tipo de curiosidade, nem mesmo a mórbida. Sua cólera se tornou ainda mais violenta. Primeiro quebrou a janela numa tentativa frustrada de mostrar ao mundo todo o seu ódio não mais contido. Depois, foi a vez de todo o resto que via pela frente. Livros, porta-retratos, anotações, cadeira, sofá-cama... tudo deveria ser destruído! Seus braços pareciam pesados e seus movimentos se tornaram difíceis, até levantar o pequeno abajur parecia um desafio hercúleo. Porém, seus dedos e punhos pareciam não sentir o impacto dos socos que dava no grande armário de sua minúscula sala.

Rapidamente, os resquícios de seu surto de ira cobriram tudo ao seu redor e mal podia se mover em meio aos destroços. As paredes pareciam oprimi-lo ainda mais. Queria a todo custo sair dali e foi abrir a porta da frente, mas não conseguia. Começou a tentar arrombá-la. Todavia fosse feita de uma madeira já frágil por causa do tempo e dos cupins, se mostrou um obstáculo intransponível. Não desistia e jogava partes da, agora quebrada, mesa e... NADA! Não havia parado de xingar e espernear, mas só agora parecia produzir algum barulho, era algo parecido com um gemido. Fez novo esforço para não gemer e veio um miado.

Apertou violentamente os olhos e ao abri-los, viu um gato preto na janela e eis que sua escrivaninha surgia novamente inteira diante de sua expressão incrédula- refletida na janela imunda- tal como os demais quatro ou cinco móveis de seu único cômodo. Virou-se para a pilha de despachos à sua frente e, sem proferir nem a mais singela sílaba, retornou à sua monótona rotina.

The mortality and immortality in "The Raven"

Text originally published in Coursera. 

The main subject of the poem “The Raven” is the dichotomy between mortality and immortality.

The title makes a clear reference to death since ravens are usually portrayed as inhabitants of cemeteries. The root of this now common image comes from Greek mythology. The ravens were supposed to be as white as doves, and they would bring the news from the Earth (where the mortals live) to the Gods (the immortals). But unlike their doubles, once the news to Apollo (the sun god¹) were bad ones, in his rage, he made the raven’s feathers become black. In the poem, the raven is the messenger who remembers that Lenore will not come back. He reminds the narrator of her – and his - finite nature.

In addition to the mentions to the Greek mythology, there is a clear reference to the fairy tales. Both the beginning “Once upon a midnight dreary…” and the finish line “nevermore” are the perfect opposite to “once upon a time” and “ever after”. In the last case, instead of the continuity implied in “…and they lived happily ever after”, it presents the idea of rupture. When it is said “…curious volumes of forgotten lore” might also allude to the idea of a written a text about an ancient period. However, on the contrary of what happens in fairy tales, it is evident that it mentions a decadent time and not a happy one.

The fear of death – and the sordid curiosity about it – grows the closest to knowledge someone gets. The books and the Palas (Athena, wisdom goddess) bust are references of that approaching. It is not by chance that the raven perched above that sculpture, it is a portrayed of an immortal, something the narrator is not.

The very act of writing is an attempt to achieve eternity. Even after the author is long gone (and there is no balm for death), his words will remain. His lines, and nothing more.

Um pequeno texto auto-explicativo

A transgressão da totalidade livre em que o contexto está incluído produz textos presos à gramática sem que o sexismo reinante seja vencido. A elucubração da realidade tem ultrapassado as barreiras do virtualjouissance ampliando sua heterogeneidade em prol do privilégio da velocidade em detrimento dos fluxos. Como em uma era pós-zoomórfica isso poderia acontecer? Os dogmas acabam, dessa forma, adquirindo status de significado quando se tratam apenas de significante. Apenas através da auto-definição, seria possível vencer esse método canhestro de perceber a verdade por trás de uma projeção de nossa sociedade.

Na pós-modernidade, a homogeneidade já não é vista como a mera transposição da “metaestrutura”, mas como uma subestrutura a ser compartilhada através da divulgação da cultura. A turbulência que acaba por enrijecer o modo como encaramos a humanidade tem por intenção desmistificar as massas para que estas sejam incluídas na alteridade do campo semântico em série.

Como se a ciência enfrentasse o poder do método macro-real, o cavaleiro da lingüística tem que defender o modus operandis de um preconceito irreal que busca no imaginário sua auto-suficiência mediante uma fórmula pouco comum de verificação da matéria. As engrenagens da política somadas às da religião, se combinam pretendendo ofuscar a chama do iluminismo em sua variante mais pré-socrática. A popularidade de um método fundamentalista advém daí. A socialização do meio de consumo conservador, também. Cabe àqueles que controlam os meios de comunicação procurar a ênfase no neo-estruturalismo como um meio de se obter a maturidade pós-genética.

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Se você entedeu algo do que está escrito acima... Parabéns!!! Você é um pseudo-intelectual.

O PALHAÇO

O palhaço desenha um sorriso em sua boca,

Coloca uma rubra bolinha no nariz,

Entra no palco com enormes sapatos.

A cada movimento, uma risada,

As gargalhadas alimentam suas ações

mas devoram sua alma.

Ele realiza gestos exagerados:

Joga-se no chão,

Finge se machucar.

A plateia, em meio ao delírio, parece rugir:

“Mais, mais, mais”, lhe clamam.

E ele mais uma vez pula e dança,

Ao som das ordens de seus espectadores

A maquiagem começa a derreter com o suor,

Sua verdadeira face, tão marcada, é exposta.

Seu cansaço é aparente.

“Mais, mais, mais”, comandam as vozes nervosas.

Ele faz troças de si.

Parece chorar em um momento,

Mas segue com suas piadas.

Ao fim do show, retorna lentamente ao seu camarim,

Olha seu reflexo no espelho...

Não gosta do que vê!

Ninguém aplaude este!

Querem a pintura e a voz esganiçada!

Mais risos, mais piadas, mais quedas!

Ele também almeja ser o outro,

Ser querido e amado.

Tenta sorrir, mas sua mandíbula parece travada.

Seu corpo dói e o coração lateja.

Por que não pode ser como o palhaço que

se apresenta todo dia no palco?

Por que sempre está tão solitário?

Levanta-se tentando ao máximo

Não ver a feição à sua frente.

Não aguenta outra noite...

A despedida é dramática,

Apesar de sem testemunhas.

Sua última performance:

 - uma cadeira e uma corda.